（一）史前雕塑（公元前 25000～ 公元前 4000 年）

雕塑培训学校了解到，外国最早的雕塑，是原始人类在创造石器工具的同时所产生的附属品。这段时期颇为漫长，其演变反映了史前人类文化逐渐丰富的过程，并没有明显的地域性分别，它标志整个人类文明最初的探索，而不是单一的代表某一民族。

比较著名的史前雕塑是距今约 25000 年、出土于奥地利摩拉维亚的沃尔道夫的维纳斯。这件雕像滚圆丰满，局部作夸张处理，表达了原始人祈求繁衍、丰收的象征性渴望。

（二）古典雕塑（公元前 4000～20 世纪初）

1.原始时期（公元前 4000～ 公元 476 年前后）

西方文化肇始于古希腊和古罗马文化，其雕塑亦发源于此。而古希腊之文化与雕塑，则曾受到古埃及的深远影响。

古埃及的雕塑艺术大约始于公元前 4000 年，其萌芽受益于当时建筑艺术的诞生与发展，并逐步从建筑装饰中独立出来。古埃及雕塑主要服务于法老政权及奴隶主，受到埃及神话和宗教信仰的影响，从而打上深刻的烙印，但同时，神话、宗教的保守性也使得埃及雕塑的发展极为迟缓。古埃及雕刻除陵墓中一部分作品外，最有影响的还是陵前和神庙的装饰雕刻及纪念性雕刻，金字塔就是最著名的雕塑。其中最高的是胡夫金字塔，塔前矗立着举世闻名的巨大狮身人面像。无论是狮身人面像、法老的肖像，或是别的古埃及雕塑，它们都是恒古不变地遵循着「正面律」的程式，从中我们可以感受到古埃及雕塑的审美理想是追求「永恒」。

古希腊文明是西方文明的主要源头之一。公元前 5～ 前 6 世纪，特别是希波战争以后，古希腊地区经济生活高度繁荣，产生了光辉灿烂的古希腊文化，其中就包括了在西方美术传统中占有非常重要地位的古希腊雕塑。古希腊雕塑的审美理想是追求真实的美，其题材大多取自神话传说和体育竞技。以风格的发展变化而言，古希腊雕塑可分为古风时期、古典时期和希腊化时期。

古风时期。约公元前 5 世纪之前。风格受古埃及雕塑影响明显，较为程式化，但雕塑家们经过此一时期的训练和探索，积累了许多宝贵的经验，为后来的创作者们开辟了道路。其中最为著名的雕塑家是米隆，其代表作品是《掷铁饼者》。

古典时期。大约在公元前 5 世纪到前 4 世纪。此一时期是希腊雕塑的全盛时期。由于希腊人在社会思想和宗教观念上产生了很大的变化，使得雕塑创作在美学上有了一个质的飞跃。此时的作品注重表现人物的性格情感，人物的动作形态也更符合自然节律，肌肉线条更富动感，表情更为自然。

希腊化时期。大约在公元前 4 世纪末到前 2 世纪末。此一时期，古希腊为马其顿所灭，马其顿人将希腊的文化带到了地中海周边甚至更远的国家，同时希腊文化也与东方文化产生碰撞，并因此产生了希腊化的雕塑作品。此时的雕塑更趋世俗化，不仅仅塑造神和运动员等形象，还创作了许多世俗人物、平民形象，女性雕塑也随之增多，体现出更多的创作自由性。在技法上，则体现出雕塑家们对人体拥有丰富的知识和高度的写实技巧，而且对于衣服纹饰的表现有了突飞猛进的进步。代表作有《米罗斯的阿佛洛狄忒》、《烂醉的撒提尔》、《自杀的高卢人》、《拉奥孔》、《萨摩色雷斯的胜利女神》等。

在古希腊灭亡后，其文明成果被古罗马人破坏性地延续下去，从而成为整个西方文明的精神源泉。古罗马雕塑在很大程度上继承了古希腊雕塑的传统，并在其基础上有所发展，表现为更加世俗化，也更为写实。

在肖像雕塑方面，罗马人有着独特的贡献。这与他们崇拜祖先仪容的传统风俗有关，罗马人很早就开始用石膏或蜡从死者脸上翻下模子，并彩绘制成真实感很强的面具，安放在家中；同时，古罗马的统治者和贵族阶层也希望借助肖像宣扬其权威。此一时期的肖像雕塑以写实风格见长。雕刻家们善于运用夸张、概括的艺术手法，注重刻画人物衣着细节，整体上则舍繁就简，注重表现运动感。代表作品有《奥古斯都像》《安提诺斯像》《奥利略骑马像》《捧着祖先头像的罗马人》等。此外，雕塑家还在古罗马的宫廷、广场、纪念柱等建筑物上雕饰了许多圆雕或浮雕，如建筑于 3 世纪的塞普提米乌斯·谢维路斯凯旋门和卡拉卡拉的公共浴室等。

值得一说的是，意大利半岛中北部的伊特鲁里亚人发明了一种特殊的制陶技术，他们将黏土熏烤成黑色和赤色后再进行塑像，塑后再进行烧制和磨光，从而使陶塑显现出贵重的金属外表。其代表作如创作于公元前 510 年左右的《维埃伊的阿波罗》。

2.欧洲中古世纪雕塑（约公元 476～1453 年）

历史上一般称欧洲的封建社会时期为「中世纪」，而艺术史上则把古罗马以后到文艺复兴前这段时间的西方艺术称为「中古世纪的艺术」。在中世纪的欧洲，基督教成为封建统治的有力支柱，因此，欧洲中世纪的雕塑主要是为基督教服务。此一时期的雕塑风格主要经历了罗马式时期和哥特式时期，教堂建筑成为当时主要的雕塑艺术载体，许多优秀雕塑家从事教堂建筑的装饰雕塑和内部陈列的圆雕工作。最具代表性的如法国的安高莱姆教堂、康城的三圣教堂，以及德国盖因拉德的圣基列阿教堂中的许多雕刻。罗马式教堂以其坚厚、敦实的形体显示教会的威力，哥特式教堂则以其灵巧、尖挺的上升力量控制观者的精神感情。教堂建筑中彩色玻璃窗画的明暗变化，各色各样轻巧玲珑的雕花图案和壁上的雕塑，都有助于加强宗教神秘的气氛。哥特式教堂代表了中世纪建筑艺术的最高成就，如著名的巴黎圣母院、沙脱尔教堂、理姆斯教堂等，而哥特式雕塑也基本上代表了中世纪规行矩步、神秘保守的宗教艺术。到了 14 世纪，法国雕塑中的哥特式艺术反映现实的倾向增强，对人物姿态、表情、形体等方面开始夸张强调，为宗教服务的哥特式雕塑开始出现了新兴资产阶级艺术的萌芽。

3.文艺复兴时期（14 世纪中叶至 17 世纪初）

中世纪晚期，人们逐渐意识到自身的价值，并提出以人为中心而不是以神为中心，肯定人的价值和尊严的观点。同时，由于航海技术的进步，海洋贸易的发展促使新兴资产阶级的萌芽产生并迅速壮大，而教会长期以来对人们思想的严格控制，也导致资产阶级和平民的不满攀升到极点。最终，一场发源于佛罗伦萨、米兰和威尼斯，而后扩展至欧洲各国的思想文化运动如星火燎原一般蓬勃发展起来，这就是著名的「文艺复兴运动」。

文艺复兴精神在 15～16 世纪的上半叶得到全面的发展与传播，从而彻底地改变了整个欧洲思想文化的面貌。与此相应，雕塑家们也将人作为美学象征和追求的对象，他们继承并发展了古希腊、古罗马雕塑艺术的传统，使雕塑艺术达到了新的繁荣。文艺复兴时期的著名雕塑家，大多数都集中在意大利的佛罗伦萨。他们以写实的手法，用准确的人体解剖学，高超的技巧手法、丰富的雕塑语言塑造出富有力度感的人物形象，极为生动传神，对后世的雕塑家产生了深远的影响。

最先出现的雕刻大师是吉贝尔蒂，佛罗伦萨洗礼堂的两扇青铜大门上的装饰浮雕是他的代表作，伟大的雕刻家米开朗基罗把这两扇大门赞誉为「天堂之门」。同一个时期的伟大雕刻家还有多那泰罗、委罗齐奥等。而米开朗基罗的出现，则标志着文艺复兴时期的雕刻艺术发展到了最高峰，他与拉斐尔和达·芬奇并称为「文艺复兴三杰」，其作品《大卫》也代表了文艺复兴时期雕塑艺术的最高水平。

4.后文艺复兴时期（17 世纪初至 20 世纪初）

文艺复兴后，欧洲的雕塑创作先后兴起了多种艺术风格，并成为当时的艺术主流，对后世产生了一定的影响。但整体而言，此一阶段的雕塑风格多注重于形式的探索，相较于文艺复兴时期的创作而言，缺乏深刻的人文因素。

风格主义。出现于 1520 年左右至 16 世纪末。服膺于此种风格的艺术家们注重于探索一套所谓完整的雕塑范式，但因个性与创造性的缺失，却使得这样一种探索的行为沦为模仿前人样式的邯郸学步之举，其作品也乏善可陈。较为知名的有画家蓬托莫的《基督下十字架》。

巴洛克艺术。「巴洛克」一词最早来源于西班牙语，意为「不圆的珍珠」，后被借指不同于文艺复兴风格、缺乏古典主义均衡性的作品，是一个带有贬义的称谓。巴洛克艺术风格是古典主义者 16 世纪下半叶在意大利发起的，17 世纪盛行于欧洲，在经历了长期的被贬低打压之后，后来才受到较为公正的评价。巴洛克风格的雕塑追求宏伟、生动、热情、奔放、华丽甚至奢靡的艺术效果，大多应用于皇室宫廷。此一时期最为重要的雕塑家是贝尼尼，他以几乎可以乱真的写实技巧被称为「巴洛克时期的米开朗基罗」，其作品比文艺复兴时期的雕塑少了些庄严、肃穆和正襟危坐的感觉，显得更为夸张、富有激情，同时也更加的世俗化，代表作品有《圣德列萨祭坛》。

罗可可风格。「罗可可」一词源于法文，意指以岩石和蚌壳装饰为其特色的艺术风格。这种艺术风格系由巴洛克艺术的背景中自然演变而来，并逐渐脱离了巴洛克风格的影响，最早出现在法国宫廷，于 1720～1760 年得到了充分的发展。罗可可风格的雕塑在气势上不像巴洛克时期富有动态和力度，而注重追求精致、纤巧的艺术效果。奉行罗可可风格的代表性雕塑家主要有法尔孔奈、克洛狄翁等，代表作品有法尔孔奈的《吓唬人的爱神》等。

新古典主义。兴起于 18 世纪的罗马，并迅速扩展至整个欧美地区，主要流行于 1790～1840 年。新古典主义的兴起源自部分艺术家对巴洛克、罗可可艺术的反动，并希望重振古希腊、古罗马艺术。其代表人物有意大利的卡诺瓦、丹麦的托尔瓦德森、法国的乌东等。其中乌东在肖像雕塑方面有着很深的造诣，其代表作品有《伏尔泰像》。

浪漫主义。受法国大革命的社会思潮所催生，约 18 世纪末开始出现于欧洲，至 19 世纪 50 年代左右逐渐衰落。浪漫主义强调直觉、想象力和感觉，在创作时侧重于从主观内心世界出发，抒发对理想世界的热烈追求，表现出对新古典主义的颠覆。浪漫主义雕塑的代表人物是吕德，其代表作品即巴黎凯旋门著名的《马赛曲》雕塑。

现实主义。作为文学的一个专门术语，现实主义最早出现在 18 世纪德国剧作家席勒的理论著作中。但是，现实主义作为一种文艺思潮、文学流派和创作方法的名称则首先出现于 19 世纪 50 年代前后的法国文坛。现实主义反对美术院校中僵死的艺术教育，并试图使艺术重新回归日常生活，在现实中寻找灵感以达成艺术理想。现实主义雕塑家中以罗丹的成就最高，在西方雕塑史上，他被视为继米开朗基罗之后的又一划时代艺术巨匠。他所塑造的人物都是现实生活的深刻写照，其艺术力量不是外在的呼喊，而是理性意义的表露，是内心情感与思想的自然爆发。他在雕塑上的探索与实践，架起了西方近代雕塑与现代雕塑之间的桥梁，起到了非常重要的承前启后作用，罗丹与其学生马约尔、布德尔被誉为欧洲雕塑的「三大支柱」。罗丹的代表作有《思想者》《吻》《巴尔扎克像》等。

（三）多元化的现代雕塑（20 世纪初至今）

随着欧洲资本主义的逐渐繁荣，罗丹、马约尔之后的西方雕塑艺术，呈现出了异彩纷呈的多元化发展，百余年间，涌现出了许多流派和主义。雕塑家们普遍希望摆脱传统雕塑的束缚，追求新的价值和观念，勇于进行实验性的探索，采用新的雕塑语言，整体上出现了表现、抽象和象征三种潮流。

立体主义。1909 年毕加索的作品《妇女头像》是立体主义风格确立的一个重要标志，它宣告了新一代雕塑家与传统雕塑观念的正式决裂。立体主义的雕塑家们试图建立一种以几何形体的构成为基础的全新的雕塑语言，而其创作对象也不再是对视觉对象的忠实记录。其代表者除了毕加索之外，还有阿基本科、杜桑维龙、利普希茨、劳伦斯、查德金等，他们在立体主义雕塑上的探索都有着各自的特点。较为著名的作品有毕加索的《公牛头》等。

未来主义。1909 年，意大利诗人马里内蒂发表了《未来主义的创立和宣言》一文，始倡未来主义，随后，未来主义于 1911～1915 年广泛流行于意大利，第一次世界大战期间传布至欧洲各国。未来主义者憎恶陈旧思想，尤其是陈旧的政治与艺术传统，同时表现出对速度、科技和暴力等元素的狂热喜爱。其代表雕塑家是波丘尼，代表作品有《空间连续的独特形体》等。

构成主义。大约开始于 1917 年的俄国，持续到 1922 年左右。构成主义雕塑强调空间中的势，而非传统雕塑注重的体感量感，雕塑家们采用一块块金属、玻璃、木块、纸板或塑料等材质以组合成雕塑。其代表雕塑家有加波、佩夫斯纳、塔特林、莫霍利等。

达达主义。「达达」一词并没有具体的意义。达达主义出现于 1916～1923 年，其诞生源于艺术家们对第一次世界大战的抗议，虽然持续时间不长，但却对 20 世纪的许多艺术创作都产生过影响。达达主义者是无政府主义者，他们对一切事物采取虚无主义的态度，其行动准则是破坏一切。而从杜桑把小便器作为艺术品展出，我们便可以知道，达达主义是对传统意义的伦理、道德、美学提出的新的挑战，它强调的是一种破坏性的非固定的精神状态。

超现实主义。1920～1930 年盛行于欧洲。源于达达主义，以所谓「超现实」「超理智」的梦境、幻觉等作为艺术创作的源泉，认为只有这种超越现实的「无意识」世界才能摆脱一切束缚，最真实地显示客观事实的真面目。其代表雕塑家有恩斯特、亨利·摩尔、考尔德、杜尚等。

20 世纪 50 年代以后，新达达、集合艺术、废品雕塑、波普艺术、超级写实主义艺术等多个流派都有着受达达主义影响的血缘关系，如奈微尔逊、塞萨、西格尔、汉森、奥登伯格等艺术家的作品。他们通过种种方式——对现成物品的集合、对工业废品的重新处理、对新材料的综合利用、甚至用活人体翻制模型等进行创作，表达了对工业文明的怀疑与赞美、批判与肯定的复杂情绪。

此外，抽象构成雕塑和活动雕塑在第二次世界大战之后走向了室外，成为了大尺度纪念性艺术，包括固定雕塑、活动雕塑和最低限艺术。这方面的代表艺术家有考尔德、史密斯、卡罗等。而雕塑中对光因素的利用，在战后实现了与新科技能源观念的进一步结合，如蔡文颖、舍弗尔等利用电器灯光、激光等手段，扩展了光雕塑的虚像体积、反射表现、幻象性的光学装置等成果。

现代雕塑师培训小编认为，总的说来，现代派艺术家重感性和主观内在的精神表现，用感觉代替观察，运用综合、抽象和半抽象代替具象，不再注重表现客观存在的形，而努力追求发掘自我心灵的形，否定艺术的功利性，认为艺术只是有意味的形式。